电影是实中有虚，戏曲是虚中有实。戏曲电影能不能创造属于自己的语汇和表达方式？
“如果要评选520最美的电影，我一定选它。”
“不懂戏曲，但这部戏曲电影太美。”
“终于有点理解了戏曲之美，空灵婉转，有想象空间。”
收获这样正面评价的，是刚刚上映不久的粤剧电影《白蛇传·情》。在豆瓣网上，这部电影得到8.1分。
猫眼APP显示，《白蛇传·情》上映5天票房312.5万元，排片率只有0.8%，但上座率达到1.1%，同期《速度与激情9》上座率为0.6%，而《悬崖之上》则是0.7%。尽管票房不算高，但观众中有不少并非戏曲爱好者。相比一些电影制片人花样“要排片”，不少网友自发呼吁增加《白蛇传·情》排片量。
近期“热”起来的戏曲电影，还有刚刚上映的滕俊杰执导的上海出品8K京剧电影《捉放曹》，拿下去年金鸡奖最佳戏曲片奖的3D全景声京剧电影《贞观盛事》。此外，不少戏曲电影网上评价不俗，京剧电影《霸王别姬》豆瓣评分达到9.0，《锁麟囊》达到9.4分。沪剧《挑山女人》则被年轻观众评价“真实而感动”。
“年轻人对国潮、国风非常有兴趣，能通过电影这种现代表现方式向年轻人传递戏曲文化，是一种积极的尝试。”尽管有了“出圈”苗头，但一些业内人士也担心，过于“讨好”年轻人，过于强调电影技术，会削减戏曲的精华内核。
当代电影如何传递传统之美，探索实践还在进行中。
戏曲电影《霸王别姬》在洛杉矶举行海外首映
写实还是写意
“戏曲部分没有发言权，但是作为电影真的是美！”记者日前走访多位看过戏曲电影的观众发现，他们最明显的感受就是“传统之美”。
中国传统审美讲究“写意”。相比电影具象化、写实化的取景、道具等，戏曲在舞台上往往陈设简练，全靠戏曲演员表演带动观众“脑补”。例如京剧《三岔口》里经典的深夜打斗场景，在戏曲舞台上光线不减，一桌两椅，全靠演员步态和动作设计来营造“摸黑”感。
“连上五色下五色都不分，一桌二椅的布景程式都不理解，还来导演京剧？”一部戏曲电影下的评论，强调戏曲与电影的“泾渭分明”，首要差异就在“审美”上。
有网友对戏曲电影的要求依然是“符合戏曲”
过去，部分戏曲电影往往呈现两种截然不同的表达方式：要么直接将戏曲舞台影像化，要么将戏曲人物放进实景之中。但这两种方式的弊端十分明显：前一种无法体现电影的优势，而且对戏迷票友来说现场感不够，又难吸引一般观众特别是年轻人；后一种人物与场景完全割裂，有观众就表示，“画着大花脸的人物出现在现实的建筑场景中，格格不入”。
从场景布置到服装设计，《白蛇传·情》对比舞台上的戏曲演出，“实体化”非常明显，但又不是完全用电影的方式布景取景。例如剧中的城镇，小桥流水，白墙黛瓦，构筑出江南水乡的风貌。但实景之外又虚化了远景，影影绰绰的方式消解了现实感，予人水墨画一般的质感。
《白蛇传·情》虚实结合
很多观众都提到片中“水漫金山”一段，白素贞与小青站的礁石和水面很真实，却通过颜色贴近水墨感，远处群山壁立更是虚化写意。特效制作的巨浪翻涌，仍采取这样的色调，让滔天巨浪既有真实感，也有水墨流淌的飘逸感，观众评价“大场面”“声势更在画面外”，甚至有人看出了“二次元感”。
电影《青蛇》动作戏借鉴戏曲强调身段美感而非打斗精彩
事实上，戏曲舞台与影视作品的互鉴一直在探索。徐克导演的《青蛇》，不仅让更多电影观众感受到戏曲妆“铜钱头”的美感，影片中青蛇与白蛇的动作打斗戏，不强调电影动作戏的“真实感”，反而以演员舞蹈般的动作和定点肢体语言展现美感，这是戏曲舞台上常见的表达方式。上海京剧院出品的《大唐贵妃》，则尝试运用多媒体影像技术，将传统艺术与现代科技相融互补，让原本相对简单的舞台景象变得丰富多彩。
沪剧电影《挑山女人》干脆采用了将生活原型人物与舞台艺术形象交融拍摄的方式，保留戏曲和电影的双重优势。导演汪灏认为：“电影是实中有虚，戏曲是虚中有实，戏曲电影的导演应该找到一种途径让两者契合，互补长短，互相衬托，才是正道。”
沪剧电影《挑山女人》
中国艺术研究院戏曲研究所所长王馗表示，戏曲与电影表达不同，比如戏曲中不少经典场面是通过人物唱段展现内心世界，但这样直抒胸臆的方式在电影中很难表达。他提出：“戏曲电影能不能创造属于戏曲电影的语汇和表达方式？”
“名角”星光，还是团队化产品？
“戏曲舞台上，演员就是大王，乐队、观众都跟着我走，很过瘾；电影拍摄没那么过瘾，要等待上映，接触更多受众才过瘾。”参演昆曲电影《邯郸记》时，上海昆剧团演员计镇华已年近八旬，剧中角色戏份吃重，要从20岁演到80岁，还有大量跪戏，他坚持不用替身：“没想到这个年龄还能拍电影。”
昆曲电影《邯郸记》
相对固定的台本和布景，代代传承的“头面”“衣箱”——戏曲舞台上，“名家名角”是当仁不让的中心，很多戏迷票友购票，也是为了“名角”。《白蛇传·情》中白素贞的扮演者是广东粤剧院院长曾小敏，她曾荣获戏曲梅花奖、文华表演奖，堪称如今粤剧“名角”。
但这一次《白蛇传·情》的情况有些不同。记者走访发现，大多数年轻观众是冲着电影预告片中精彩的场景走进电影院的，“想看看戏曲电影如何做视觉呈现。”有些观众甚至担心戏曲部分成为自己的观影障碍。记者走访的多位观众中，只有一位黎姓观众明确表示自己喜欢粤剧，但原因竟是“特别热爱港片，港片不光有粤剧题材，还有不少改编粤剧片段，《做对相思燕》《求神》都会唱，想看看完整的粤剧如何表达”。
不少非戏曲爱好者是冲着“国风”特效进电影院的
“与戏曲围绕‘名家名角’不一样，电影是工业化产品，演员只是其中一环。”有业内人士坦言，“虽然很多粉丝喜欢谈论影视剧演员‘扛票房’能力，但电影票房很难靠演员一己之力来支撑。即使那些动辄微博粉丝以千万计的流量明星，电影质量不行票房还是惨淡。”他以目前国内票房冠军《战狼2》为例：“吴京不仅是主演，也是这部电影的导演。一个演员能扛票房，发挥的作用绝对不止于演戏。电影是集体的艺术，一定要说，那导演才是中心。”
虽然不少观众观影并非因为戏曲，却因为电影对戏曲演员和舞台表演有了好奇心。从微博超话等网络讨论热度来看，近期电影的好口碑成了曾小敏“出圈”的关键，不少年轻人因为看了电影想去看她现场演绎的舞台版本。
“戏曲电影要出圈，需要更多融入电影的创作方式，也需要经典戏曲之外的新编故事。”有电影业内人士表示，电影《霸王别姬》曾让不少人对京剧产生了兴趣，而在国外，电影明星参与舞台剧或歌舞电影很常见，佳作也层出不穷：电影明星主演的歌舞电影《红磨坊》是戛纳电影节的开幕片，《芝加哥》《爱乐之城》《悲惨世界》不仅票房丰收，还赢得诸多电影奖项——透过明星影响力，吸引更多观众从电影院走进剧场，感受现场的魅力。
电影《悲惨世界》的演员休·杰克曼、安妮·海瑟薇等集体登台演剧中片段
然而与国外电影明星反哺歌舞电影或音乐剧作品不同，传统戏曲唱念做打的功夫需要从小练习的“童子功”，影视演员很难经过短期训练就能表演戏曲。
在一些业内人士看来，戏曲电影一方面要发挥“名家名角”的魅力，通过他们的娴熟功力传播和沉淀戏曲的魅力；另一方面也可以综合运用电影表现手法，为更多年轻戏曲演员开辟新的舞台，或启用有戏曲功底的影视演员，让戏曲电影扩大受众群。
浙江小百花越剧团庆祝20岁生日，当年凭《五女拜寿》成名的茅威涛（中）与剧团老师深情相拥，同剧演员何赛飞（右）站在一旁。
“戏曲电影造星”“明星带动戏曲关注度”，国内早有先例。越剧表演名家徐玉兰、王文娟，至今为人津津乐道在越剧电影《红楼梦》中的表现；1984年越剧电影《五女拜寿》，让茅威涛、何赛飞、陶慧敏一举成名，“小百花越剧团”名噪一时；黄梅戏影视剧的风行，不仅让马兰、吴琼等黄梅戏演员家喻户晓，当时几乎人人都能哼唱几段。而1987年的电视剧《红楼梦》选角，很多重要角色来自戏曲领域，例如王熙凤的扮演者邓婕就是川剧演员。
心系票友，还是吸引年轻人？
记者日前走访上海多家影院发现，《白蛇传·情》的观众几乎全是年轻人。“粤剧我都是从港片里了解到的，但是这种呈现方式还是很新鲜的。”市民秦先生和女友一起来观看这部电影，“看下来并不觉得粤剧带来了观看门槛，反而戏曲化的呈现很有中国特色。”
有影视评论公号认为，《白蛇传·情》“不仅拥抱技术，更主动接近年轻审美。”这样的“接近”几乎体现在《白蛇传·情》的方方面面：比如手绘的“国风”海报，水墨山水和亭台楼阁，衣袂飘飘的主人公，被网友称为“520最美海报”。又比如电影的预告片，最早“引爆”是在B站，光弹幕就有200万条。相比之下，过去不少戏曲电影往往在这方面“吃亏”。例如沪剧《挑山女人》，有人在网上留下评论：“如果不是得奖，我就错过这部电影了。”
有网友差点错过《挑山女人》这部沪剧电影
但在一些戏曲迷看来，《白蛇传·情》“过于讨好年轻人”。记者走访发现，不少年轻观众认为电影中的“戏曲唱段比预想更熟悉、更舒服”。据介绍，这部电影不光在场景制作上“电影化”让年轻观众乐于观看，就连唱段也改编得更为通俗流行，甚至还加入了西洋管弦乐。但这样的改编让部分戏曲票友感到不满，喜欢戏曲的陆先生表示：“戏曲有其独特的表达方式，如果为了吸引年轻人就进行大幅度改编，这是对戏曲的异化。市场供给年轻人的文化消费已经够多了，为什么不能做一点纯粹的戏曲方面的影视？”
“任何文化形式都是发展变化的，戏曲也不例外。”也有人认为，纵观戏曲历史，始终随时代变化而变，“如今一些人说起戏曲，唱腔、行头、布景都不能变，否则就是‘背叛历史’。但戏曲不仅是为票友服务，更要面向青年拓展。戏曲数百年前的形态、演进历史，可以放进博物馆记录、存档案研究，但想要戏曲长久生存、具有活力，就要顺应市场要求，争取更多爱好者，拍摄戏曲电影就是这样的尝试。”市民杜先生以歌舞电影《红磨坊》为例，故事背景是19世纪末，却大量运用1970-1990年的流行音乐，其中包括埃尔顿·约翰、大卫·鲍伊乃至玛丽莲·梦露的歌曲：“不仅没让我对音乐剧留下错位的观感，反而吸引我进入剧场欣赏经典音乐剧。”
演员妮可·基德曼在歌舞片《红磨坊》开场唱了玛丽莲·梦露的《钻石是女孩最好的朋友》
“现在很多年轻观众看不懂戏曲片，一个重要原因是不理解戏曲表演的程式。”上海电影家协会副主席、上海戏剧学院教授石川表示，戏曲表演的核心是它的程式，戏曲电影的推广不能放映了事，而要加以讲解，对戏曲传统的表现手法和它的美学程式要有普及性的讲解。“对戏曲电影，除了运用3D等电影技术，还应在其他方面有更大幅度的探索。”
是电影，还是戏曲？
《白蛇传·情》出圈，再次佐证了不少业内人士“戏曲电影大有可为”的观点。戏剧评论家赓续华认为，从历史经验看，凡有电影进入的剧种，都是发达的剧种，想成为新时代的大剧种，必须与电影结合。“越剧《红楼梦》、黄梅戏《碧玉簪》、秦腔《三滴血》拍成电影后，对三个剧种的传播都起了很大作用。”
越剧电影《红楼梦》是不少观众心中的经典
文艺评论家仲呈祥透露，对于戏曲电影的评价，在国内一些奖项评选中，有评委认为标准是“电影化程度”，电影化程度越高越好。“我不赞同这样的标准，要用电影来彰显戏曲审美优势才是戏曲电影的根本，如果把审美优势全盘电影化，只会加剧戏曲艺术的困境。我不赞成过分使用现代声光手段，来消减中国戏曲以虚带实的审美功能。”
在他看来，戏曲电影在彰显戏曲的美学魅力和培养新的戏曲观众方面有作用，也能更好地与当代消费文化相适应，“但是戏曲电影永远取代不了舞台戏曲，它们是各司其职的，只能互补生辉、共同前进，不能重此轻彼，更不能代替。时代呼唤既通戏曲又通电影的审美规律、而且善于把这两门艺术交融整合、创造出戏曲电影各美其美、美美与共的瑰丽表现方式。”
部分专家认为舞台戏曲抽象之美不可能被取代，比如《三岔口》经典的摸黑打斗
目前国外音乐剧影视化作品和国内一样主要分为两类：一种是现场演出的高清影像作品，另一种则是原创或根据音乐剧作品改编的电影，但更专业。
以英国国家剧院的《大将军寇流兰》为例，制作团队没有为拍片重新搭景，观众现场观看舞台演出时，在3面观众席安排了4部摄影机，并动用摇臂及手提摄影机拍摄近距离辩论与格斗。这种方式的好处在于成本低、时效快。例如2015年推出的歌剧《仲夏夜之梦》，舞台本身没有创新，但2015年7月10日与12日在法国演出后，高清影像7月16日就在上海夏季音乐节上播放。这种“原汁原味”的舞台演出影视化对无法到现场的“专业级爱好者”颇有吸引力。
知名音乐剧《剧院魅影》有其独立制作电影
而另一种歌舞电影虽然原始剧本、演唱歌曲等均来自同名音乐剧，但会按照电影的故事节奏、镜头语言进行全方位的改编。《芝加哥》《悲惨世界》《剧院魅影》都有原版音乐剧作为蓝本，但从故事结构到拍摄、剪辑手法，都是按电影方式进行的。曾获奥斯卡奖的《爱乐之城》虽是原创电影，但其中音乐部分创作者多是百老汇的“常客”。
不仅表现方式创新，传播方式也要创新。戏曲电影难免因其受众面较小，制作方又以演出院团为主，在宣传发行和影院排片等环节竞争力不足。而“英国皇家歌剧院高清影像系列”，其合作方特拉法加发行公司与国际上多家剧院、剧团都有合作，同时也发行伊莎贝尔·于佩尔主演《她》等热门电影。专业的宣发渠道也让英国皇家歌剧院高清影像快速落户全球35个国家、超过1500个放映场馆。
