第34届上海之春国际音乐节逐渐走向尾声，在此届音乐节的国际交流音乐会中，瑞士伯尔尼乐团作为一支已有近140年悠久历史的传统交响乐团，对德奥作品的演绎有着他们独具特色的风格特征。此次他们携两位德奥大师的作品，将一脉相承的“贝式”风格中所蕴含的最后古典精神赋予其新的内涵。

　　循着历史发展的时间线索，第一部作品《C大调莱奥诺拉序曲第二号，作品72a》，这部作品常作为管弦乐作品单独上演，是歌剧《莱奥诺拉》1805年首演时采用的序曲，作品中的主题延续了另外两首序曲的主题，音乐整体所表达的内涵是歌剧情节发展的纯音乐表达方式的体现。乐曲始端，弦乐声部保持低沉、铜管和打击乐深厚的音响效果，预示了悲剧色彩的音调由此正式拉开序幕。整个乐队干净利落的乐句停顿展现出与指挥的娴熟配合，当下一个乐句开始，指挥富有标志性的动作给予乐队，体现出高度统一的整体性。当音乐材料相继展开后，乘着乐队对乐曲情感的控制力，整体风格逐渐走向明朗，但BSO似乎在有意克制这种趋向光明的力度感，随后小号手在视觉与听觉上呈现出的嘹亮主题，瞬时将乐队的力度层冲破，并伴随咏叹调主题的再现，使得现场的气氛从静谧中完全释放。

　　经过序曲的热身后，在贝多芬《第五钢琴协奏曲“皇帝”》中迎来了钢琴家格哈德·奥皮茨，这部钢琴家曾在阿图尔·鲁宾斯坦大赛中获得一等奖的作品，开启了他的演奏生涯，奥皮茨对贝多芬精神世界的个性理解充分反应在他的演奏中。乐队与钢琴在开始段落中齐奏和弦的配合显得犹为坚定，而钢琴清晰、灵动的旋律线条与乐队稳健的音响处理相融，使得各声部的发展运动保持着情感力度的平衡，每次钢琴流畅的长颤音处理将乐队从激烈的音响中拉回到叙事、安静的风格中，不断加厚的弦乐织体支撑着钢琴和整个乐队走向高潮，互相间的对话虽造成一种动态的音响效果，但其微妙之处在于对整体素材的聆听显得更加和谐、悦耳。第二乐章中通过小提琴、钢琴对旋律音色的控制处理，使得气氛变得更加庄重、富有精神性，在奥皮茨通过左手展开示意将主题交予乐队，这使得相互间的衔接更加自然。随即钢琴变奏式的主题再现在力度把握上呈现出富于自信的声响，但略显急躁的奥皮茨似乎想冲出内心框架，但乐队紧随着指挥对乐曲驱动力的把握，从而在整体上依然保持着贝式风格中严格、具有约束性的情感释放。

　　上半场的两首作品充分显示出BSO对于情感的把握有着自己的定义和诠释，尽管在钢琴协奏曲这样的体裁中，却仍然追寻着声响上各音乐材料间的平衡。这样的处理延续至勃拉姆斯《第一交响曲》，这部被称为贝多芬“第十交响曲”的作品，在作曲家的手中历经了长达20年的创作过程，对于整部作品的外部乐音的严谨建构，勃拉姆斯在结合个人对人类精神追求的高度内涵的理解后，用贝九中“欢乐颂”的主题将其思想意向升华。当打击乐手铿锵有力地敲击配合庞大乐队织体地齐奏，现场的气氛迅速变得庄严、压抑，而在着紧促的进行中，温扎格转向示意大提琴声部，整个声音色彩变得浑厚有力，极富震撼力的和弦支撑为铜管和小提琴声部的呈现提供了更加宽广的音域空间，这种隐喻着命运气质的演奏，有着直达心灵的现场感染力。第二乐章中双簧管的吹奏在乐句结尾处转瞬即逝的处理，将曲中的一丝孤寂展露无遗，而第一小提琴手拉出的长线条旋律，其高音声部与圆号低声部的吹奏逐渐拓宽音域层次，随后与全乐队之间的对话，仿佛是作曲家个人与整体宏观世界的内心沟通。第三、四乐章不间断的演奏，使整个围绕“贝式”风格的各主题在“欢乐颂”的引导下分别进行呈示，而温扎格通过与小提声部旋律同步进行的精密性指挥，将大体上长线条框架中的细碎片段放置安好，使得情感的积蓄更具推动力。最后，弦乐的演奏充满着弹性，收缩更加自如，配合宏大声响的铜管逐渐迈向精神世界的终极领地。

　　整场音乐会令人不禁感叹的是BSO上半场一开始就迅速进入状态的演绎，这体现出娴熟的技巧以及对作品内核深度的强烈意识，其小提琴声部的演奏更为惊艳，每位小提琴手通过将自己置身于音乐发展的思维逻辑之中，因此在审美听觉上显得极为舒畅且富有自信。指挥温扎格忠实于音乐的意向，使得在对各声部精准把握的基础上，将每一个声部主题的再现清晰化、严谨化。整晚温扎格与BSO将两位德奥大师音乐中沉浸于晚期古典风格的精神性力量完美地传达给了现场的每一位听众，并让我们感悟到其深刻的艺术审美价值。