4月17日-19日《东去西来》又再次回到上海，“跨界融合艺术剧场”的演出，融汇了多媒体、音乐、舞蹈、舞台表演等多个艺术门类，通过将多个不同部分凝结在一起，向观众传达主创团队基于“东去西来”这一主题的差异化理解。

　　整场演出包含7个作品与6个间奏，他们在音乐形式上并无相近之处，作曲家对如何在音乐上表达对多元文化的碰撞与融合的方式也不尽相同，但多媒体、舞蹈等视觉表达巧妙的将这些风格迥异的作品串联，而最终形成了命题统一的、完整的85分钟演出。

　　一、并置·碰撞

　　《东去西来》不仅仅在讲如何在艺术领域中融汇东、西方文化，还传达出对多元文化的理解与再诠释。其中作品《击节》、《对话》将看似无关联的，但具有象征性的音乐文化符号并置在一起，试图探讨具有不同背景的文化相遇后的音乐碰撞。

　　《击节》选取了云南佤族的“木鼓”、蒙古族“呼麦”两个典型却相距甚远的典型声音符号作为这首作品的核心元素，“木鼓”原始的声响指向对远古的憧憬，“呼麦”则是显现对自然的憧憬，其中以人声和木鱼、铃等打击乐作为二者沟通的介质，传达不同文化下对自然的同一表达。《对话》则是将蒙古族的传统乐器马头琴和阿卡贝拉的演唱形式进行并置，二者最初相融时似乎并不和谐，甚至呈现出典型的文化差异，但多媒体画面中以在城市中奔跑的骏马这一意象，似乎传达出作曲家试图将无法相融的艺术形式的并置以寓意当下多元文化共生的现象。

　　二、认同·融合

　　当下我们早已不在生活在单一的文化中，面对多元文化时的认同与尊重也使得文化的融合成为必然。作曲家作为个体如何理解这些差异的文化，而又如何归结为自身的语汇进行音乐表达，也成为当下音乐创作中始终探讨的问题。其中《景象》、《祈愿》、《梦回》诠释了三位作曲家对不同文化的理解、想象、诠释。

　　《景象》是由英国作曲家Brian Lock创作，在弦乐五重奏、竖琴、打击乐的其中加入了竹笛、琵琶两个中国乐器，但显然作曲家在对竹笛、琵琶进行创作时，有意的剥离乐器的典型文化符号，而转向乐器自身的声音特色进行创作。多媒体画面由不同自然景象不断的转换构成，正是不同的文化造就了对同一景象的不同思考。《祈愿》这部作品在音乐上所传达出的受到多个文化的启发，有“哈巴涅拉”、“探戈”、印度诗歌、中亚民歌、胡琴、笙等，音乐热烈却也不乏纯净，情感表达始终真挚生动，当文化不再被简单的区分而是走向融合时，或许音乐自身的表达也会更为凸显。《梦回》则是作曲家对龟兹的向往与想象，竹笛作为作品主要的声响在其中明确的指向了对丝绸之路中的异域风情，多媒体中也以龟兹壁画、胡旋舞、佛像等元素构成，也是用音乐对“一带一路”的响应。

　　三、追问·反思

　　文化的碰撞与融合之上是对自我的探求与追问，在《东去西来》中，《镜·界》、《冥想》与6个间奏以对自我的反思来回答对文化与音乐的命题，文化带给我们的始终是让我们再如何反观文化。

　　《镜·界》这一作品在视觉效果上更为抓人，以弦乐四重奏的声部间同一主题的不同音区交替作为展开，舞蹈家黄豆豆与多媒体投射的倒立的人形成镜像，而镜像的人消散，随之出现了无法分清虚实的影响。多媒体的运用将虚实相生、似有若无的舞者巧妙的进行呈现，展示出对自我的审视、追寻。《冥想》在声音和视觉上都较其他作品略显单薄，两只单簧管在声音上体现出微妙的距离感，而视觉效果也极为简洁，仅用许多圆形构成，与其他作品标示性的声音传达和具象化的视觉表达形成对比，似在以极为隐晦或是不具象的表达，来传达“冥想”之意。6个间奏均出自同一作曲家之手，因此虽短小也是正常最具有统一性的音乐，而间奏的多媒体则由当下的多元景象构成，舞蹈演员与多媒体巧妙的融合，使得作品之间衔接更为紧凑。其中间奏2以舞者转动多棱镜，表达文化交融后的缤纷却迷茫，在真实与幻象共生中如何追寻自我，令人尤其印象深刻。

　　《东去西来》在形式上以直白的方式引发观众进一步的追问——如何理解不同的文化、进而如何追寻自我，或许这是具有实验精神的剧场艺术所应具备的重要内核。